Dr. Mervy Enrique González Fuenmayor: ARTÍCULO. “¿EL REGAETON,LA CHANGA , EL RAP Y OTROS GENEROS MUSICALES DE LA ACTUALIDAD… ASESINOS DE NUESTROS RECUERDOS…?” ***INCLUYEUNA BREVE RESEÑA

ARTÍCULO. “¿EL REGAETON,LA CHANGA , EL RAP Y OTROS GENEROS MUSICALES DE LA ACTUALIDAD… ASESINOS DE NUESTROS RECUERDOS…?”.
***INCLUYE UNA BREVE RESEÑA SOBRE LA MUSICA, SU ORIGEN Y DESARROLLO.

POR PROF. DR. MERVY ENRIQUE GONZÁLEZ FUENMAYOR.
MARACAIBO.ESTADO ZULIA.REPÚBLICA DE VENEZUELA.AMÉRICA DEL SUR.
REDACTADA Y PUBLICADA EL MARTES 24 DE FEBRERO DE 2009.

INTRODUCCION
EL CONTENIDO DEL PRESENTE ARTÍCULO ,MÁS QUE UN ARTÍCULO PROPIAMENTE DICHO, CONSTITUYE LA PRESENTACIÓN SISTEMÁTICA, COHERENTE, ORGÁNICA, DEL RESULTADO DE UN CONJUNTO DE INVESTIGACIONES DE MI AUTORÍA EN LA CUAL DESPUÉS DE HABER EMPLEADO LARGAS HORAS DE TRABAJO VISITANDO LAS FUENTES QUE ME HAN SERVIDO PARA PONER A CONSIDERACIÓN DE MIS LECTORES EL SIGUIENTE TRABAJO, CONTIENE LAS CONCLUSIONES A LA QUE HAN LLEGADO VARIOS INVESTIGADORES RESPECTO DEL TEMA DE LA MUSICA ,SU APARICIÓN COMO EXPRESIÓN DE LO SOCIAL,SU DESARROLLO Y OTROS ASPECTOS. No fue fácil. No obstante asumo de una vez mi criterio y posición, pues soy de los que piensa que MUCHOS DE LOS GENEROS Y RITMOS MUSICALES DE LA ULTIMA MITAD DEL SIGLO VEINTE Y LO QUE HA TRANSCURRIDO DEL SIGLO VEINTIUNO LE HAN HECHO MUCHO DAÑO A ESTA MANIFESTACIÓN CULTURAL, Y LO QUE ES PEOR, AMENAZA CON DEJAR SIN RECUERDOS A LAS ACTUALES GENERACIONES.
YA EL TITULO DE ESTA PESQUISA INFORMATIVA,ADELANTA NUESTRO CRITERIO RESPECTO DE ESOS MAL LLAMADOS RITMOS O GENEROS MUSICALES,PUES BASTA CON ESCUCHAR ---AUNQUE FUESE POR POCO TIEMPO Y DE MANERA MUY SUPERFICIAL ---CUALQUIERA DE ELLOS ( REAGETON,CHANGA,RAP, HIP HOP, ETC) PARA CONCLUIR QUE NO OFRECEN NINGUN ATRACTIVO CULTURAL,AMEN DE NO DEJAR NINGUN REFERENTE HISTORICO QUE PERMITA SU RECUERDO Y EL DE LOS HECHOS QUE PREDOMINARON EN EL MOMENTO SOCIAL DE SU APARICIÓN.ELLO CONDUCE SENCILLAMENTE AL FENOMENO DE UNA JUVENTUD QUE CUANDO LLEGUE A SU MAYORIDAD,ADULTEZ, MADUREZ Y ANCIANIDAD,NO TENDRÁ NADA QUE RECORDAR, TENDRÁ UNA VIDA SIN RECUERDOS, VACÍA, SIN EXPERIENCIAS QUE LE VINCULES A SU PROPIO PASADO,TODA VEZ QUE NI LAS LETRAS QUE ACOMPAÑAN A ESOS “ RITMOS O GENEROS MUSICALES “ ,NI LA COMPOSICIÓN , INTERPRETACIÓN O EXPRESIÓN DE SU MUSICA,POSEEN LO QUE ALGUNOS LLAMAN PROFUNDIDAD DE CONTENIDO Y PROFUNDIDAD DE RITMO.
SE QUE A MUCHOS LES DISGUSTARÁ ESTA POSICIÓN QUE ASUMO,PERO NI MODO, LO QUE A LA VISTA ESTÁ … NO NECESITA ANTEOJOS! !

PRIMERA PARTE
ALGUNOS GENEROS Y RITMOS MUSICALES EN EL TIEMPO:

GÉNERO PAIS/ÉPOCA RAICES MUSICALES INSTRUMENTOS CONT POÉTICO ARTISTAS O BANDAS INFLUENCIA A CARACT PRINCIPALES REGGAE JAMAICA-1970 •ROOTS REGGAE •DANCEHALL •GUITARRA •BAJO •BATERÍA •INSTRUMENTOS ETNICOS •ADEPTOS A LA RELIGIÓN RASTAFARI •MÚSICA ESPIRITUAL, CANTO A LA ESPERANZA Y A LA OPRESIÓN •MARCUS GARVEY •BOB MARLEY •NONPALIDECE •GONDWANA •ROCKERS REGGAE •REGGAETON (MEZCLA DEL REGGAE Y DEL HIP HOP) ES UN GÉNERO Y NO UNA DANZA. ES DE ORIGEN JAMAIQUINO SKA DÉCADA DEL 70 KINGSTON, JAMAICA REGGAE •VIENTO-METAL •PERCUSIÓN •CONTRABAJO •GUITARRA •BAJO •ÓRGANO HAMMOND •TECLADO SIMILAR AL DEL REGGAE PERO NO ES RELIGIOSO •GOLDFINGER •THE AQUABATS •SKAP •DUB •ROCKSTEADY ES UN GÉNERO COUNTRY EE.UU. DÉCADA DEL 20 INMIGRANTES EUROPEOS •GUITARRA •CONTRABAJO •BAJO •VIOLÍN •ARMÓNICA EXPERIENCIAS DE VIDAS ALEGRES •JIMMIE ROGERS •HANK WILLIAMS •THE CARTER FAMILIE BLUES Y ROCK SURGE EN EL 20 Y VUELVE A RESURGIR EN EL 70 GOSPEL EE.UU. FINES DEL SIGLO XVIII AFROAMERICANOS RELIGIOSOS •PALMAS •ÓRGANO PORTATIL •PANDERETAS TEMÁTICAS RELIGIOSAS, ALABANZAS A DIOS •MAHALIA JACKSON •CRISTAL LEWIS •GOLDEN GREAT •REGGAE •ROCK •BALADAS •HIMNOS CANTO DE CORO A CAPELLA O SOLISTA BLUES EE.UU. 1890/1910 COMUNIDADES AFROAMERICANAS •GUITARRA •PIANO •ARMÓNICA •BAJO •BATERÍA PENAS DE LA VIDA ESCLAVA •JIMMY •HENDRIX •MEMPHIS LA BLUSERA •PAPPO •JAZZ •ROCK •SKA •REGGAE NACE EN EL CAMPO JAZZ EE.UU. SIGLO XIX •BLUES •COMUNIDADES AFROAMERICANAS •INFLUENCIA EUROPEA •TROMBÓN •TROMPETA •BATERÍA •GUITARRA •CONTRABAJO •PIANO •CLARINETE •SAXOFÓN •VIBRÁFONOS •BAJO •FLAUTA •PENAS DE AMOR •TEMAS RELACIONADOS A LA GUERRA (MÁS QUE NADA TRISTES) •ABBIE LINCOLN •TITO ALBERTO ROCK AND ROLL •SURGE EN LA CIUDAD •IMPROVISACIÓN ROCK DÉCADA DEL 50 EE.UU. •BLUES •JAZZ •RHYTM´N •BLUES •BOOGIE-WOOGIE •GOSPEL •CONTRABAJO •GUITARRA •BATERÍA •PIANO •SUPERFICIAL, •TEMAS DE AMOR •ALEGRES •CHUCKY BERRY •BILL HALLEY •JERRY LEE LEWIS •ROY ORBINSON •TODOS LOS GÉNEROS QUE LLEGUEN DESPUÉS •LA VOZ DEL CANTANTE ERA ESTRIDENTE Y DE TONO ÁSPERO. •SE DESTACABA LA GUITARRA INFLUENCIA A TODO LO QUE LLEGA DESPUÉS. SALSA EE.UU., CUBA DÉCADA DEL 50 •SON CUBANO Y RUBA •LO TRAEN LOS ESCLAVOS AMERICANOS •TOMAN DEL JAZZ LA IMPROVISACIÓN •GUITARRA •SAXO •INSTRUMENTOS DE VIENTO •TROMPETA •CONTRABAJO •PERCUSIÓN •BASADO EN DELITOS CONTRA LOS INMIGRANTES UN AMOR NO CORRESPONDIDO •CELIZ CRUZ •CHICHI PERALTA LOS ESTILOS ACTUALES A LOS QUE SE LLAMAN POP LATINO CANTADA POR SOLISTAS Y CORO Y ERA LA MÚSICA DE LOS CUBANOS EXILIADOS EN EE.UU. HIP HOP NUEVA YORK DÉCADA DEL 70 ÁFRICA OCCIDENTAL •GUITARRA •GUITARRA ELÉCTRICA •TECLADO SINTETIZADOR LO QUE PASA EN LOS BARRIOS DE EE.UU. •DEBBIE HARRY RAP Y REGGAETÓN EL HIP HOP ES LA CULTURA Y EL RAP LA MÚSICA Y EL GRAFFITI ES LA PARTE ARTÍSTICA REGGAETÓN EE.UU. , PUERTO RICO PRINCIPIOS DE LA DÉCADA DEL 90 REGGAE JAMAIQUINO •MÚSICA HECHA POR COMPUTADORAS •ABUNDAN LOS TEMAS RELACIONADOS CON EL SEXO •DON OMAR •NO INFLUENCIA A NADIE PORQUE ES MUY NUEVO •MOVIMIENTOS SENSUALES INFLUENCIADOS POR EL RAP TANGO ARGENTINA 1880 •BAILE DE RANCHERA •CANDOMBE Y HABANERA •DANZA EUROPEA •AL INICIO LA FLAUTA EL VIOLIN Y LA GUITARRA •EN LA DÉCADA DEL 30 Y EL 40 EL BANDONEÓN, EL PIANO Y EL CONTRABAJO •EN LA DÉCADA DEL 80 Y EL 90 SE EMEZÓ A UTILIZAR EL RASPADOR, LA GUITARRA ELÉCTRICA Y LA BATERÍA MELANCÓLICOS Y NOSTÁLGICOS GARDEL Y PIAZZOLA NO INFLUENCIA A NADIE PERO ALGUNOS TOMAN EL TANGO Y HACEN UNA MEZCLA MÚSICA PARA CANTAR Y BAILAR CUMBIA COLOMBIANA COLOMBIA SIGLO XVIII CULTURA AFRICANA, INDIGENA Y EUROPEA •PERCUSIÓN (DIFERENTES TAMBORES) •DE VIENTO (FLAUTA) •AMOR •HECHOS OCURRIDOS EN UN SUCESO DE LA VIDA •WAWANCO •TOTÓ LA MOMPOSINA •CUMBIA CLÁSICA •CUMBIA MODERNA •CUMBIAMBA •CUMBIA VILLERA Y EL CUARTETO ES UNA DANZA. EN LA DÉCADA DEL 50 SE HACIA CON OTROS INSTRUMENTOS POP INGLATERRA Y EE. UU. DÉCADA DEL 60 ROCK •SONIDOS SINTETIZADOS Y DERIVADOS DEL ROCK •AMOR •SUPERFICIAL •COMERCIAL •MADONNA •MICHAEL JACKSON •POP PUNK •POP LATINO •ROCK DE LOS 60 PUEDE SER BAILADO Y CANTADO CANDOMBE URUGUAY SIGLO XVII - XVIII AFROURUGAYOS •3 TAMBORES (CHICO, REPIQUE Y PIANO) •SU ESPÍRITU MUSICAL EXPRESA EL DOLOR Y LA TRISTEZA DE LOS DESAFORTUNADOS ESCLAVOS QUE FUERON TRAÍDOS DE AMÉRICA DEL SUR PARA SER VENDIDOS Y SOMETIDOS •HUGO “FOCA” MACHADO •WILLY MUÑOZ •JORGE SORDI •RUBEN RADA •CANDOMBE ROCK •CANDOMBE JAZZ •DANZA QUE PARTICULARMENTE SE VE EN EL VERANO DURANTE LAS COMPARSAS HEAVY METAL EE.UU. 1961 ROCK •BATERÍA •BAJO •GUITARRA ELÉCTRICA •TECLADO •CRÍTICA AL SISTEMA Y A LA POLÍTICA DROGAS Y MUERTE •LED ZEPPELING •AC-DC •METALLICA •TIENE MUCHOS SUBGÉNEROS: POWER METAL DRT METAL PUNK •SIGNIFICA METAL PESADO •FUE INVENTADO A PARTIR DE UN PERSONAJE DE HISTORIETA

SEGUNDA PARTE

HISTORIA DE LA MUSICA.

EN ESTE SEGMENTO COMO UNA CONTRIBUCIÓN A MIS LECTORES ,TRANSCRIBO EL RESULTADO DE LARGAS HORAS DE PESQUISAJE,LECTURA,CONFRONTAMIENTO MULTIFACTORIAL DEL MATERIAL OBTENIDO, QUE SE MATERIALIZA EN LOS SIGUIENTES PARRAFOS,ACLARANDO QUE ESA INFORMACIÓN POR PORVENIR DE VARIOS SITIOS DE LA WEB , ENTRE ELLOS EL DENOMINADO WIKIPEDIA,REQUIERE SIEMPRE DEL ESFUERZO DEL LECTOR ORIENTADO A SU COMPROBACIÓN CIENTIFICA, CULTURAL, HISTORICA Y ACADEMICA, DE ALLI QUE RESGUARDEMOS NUESTRA OPINION RESPECTO DE ESOS CONTENIDOS INFORMATIVOS, AL TIEMPO QUE DECLAREMOS QUE NO ME HAGO RESPONSABLE DE LA CERTEZA, OBJETIVIDAD, CRONOLOGIA, ETC DE TAL INFORMACIÓN E IGUALMENTE SE DEJAN A SALVO LOS DERECHOS DE PROPIEDAD INTELECTUAL DE QUIENES LO POSEAN…

Historia de la música
La Historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión historia de la música para referirse a la historia de lo que actualmente se denomina música docta (incorrectamente llamada música clásica ).
La expresión de las emociones y las ideas a través de la música está estrechamente relacionado con todos los demás aspectos de esa misma cultura, como la organización política y económica , el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la sociedad , así como las variantes biográficas de cada autor .
Es su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de 50.000 años. Es por tanto una manifestación humana universal, una forma de expresar un sentimiento muy interior, trascendiendo y cambiando en cada época.

Historia de la música

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Música ; Historia de la música
Música en la prehistoria
Música en la Antigüedad
Música medieval
Música del Renacimiento
Música barroca
Música clásica
Música del Romanticismo
Música Contemporánea
Paleografía musical
:Ver también: Portal:Música
Contenido [ocultar ]
•1 Música en la Prehistoria
•2 La música en el Mundo Antiguo (5000 a. C. - 476)
o 2.1 Antiguo Oriente
2.1.1 Antigua China: simbología y textura en la música tradicional china
2.1.2 Antiguo Egipto y Mesopotamia
o 2.2 Antigua Grecia
o 2.3 Antigua Roma
•3 Edad Media (476-1492)
o 3.1 La música en la Iglesia cristiana primitiva
o 3.2 El canto gregoriano
3.2.1 Referencias
3.2.2 Véase también
•4 Renacimiento (1500-1600)
o 4.1 Escuela flamenca
o 4.2 Música renacentista francesa
o 4.3 Música renacentista italiana
o 4.4 Música renacentista inglesa
o 4.5 Música renacentista alemana
o 4.6 Música renacentista española
•5 Barroco (1600-1750)
o 5.1 El bajo continuo
o 5.2 El sistema tonal
o 5.3 Barroco italiano
o 5.4 Barroco francés
o 5.5 Barroco español
o 5.6 Barroco inglés
o 5.7 Barroco alemán
•6 Clasicismo (1750-1800)
o 6.1 La orquesta y nuevas formas musicales
o 6.2 Escuela de Mannheim
6.2.1 Otras escuelas
o 6.3 Clasicismo mediterráneo
•7 Romanticismo (1800-1900)
o 7.1 El piano romántico
o 7.2 Música programática
7.2.1 El Lied
o 7.3 Sinfonía romántica
o 7.4 Los Nacionalismos (1850-1950)
7.4.1 Rusia
7.4.2 El Grupo de los Cinco
7.4.3 Bohemia: Smetana y Dvorák
7.4.4 Escandinavia
7.4.5 Francia
•8 Posromanticismo(1870-1950)
o 8.1 Expresionismo
o 8.2 Futurismo
o 8.3 Música de consumo
o 8.4 Música modal popular
o 8.5 Música del realismo socialista
o 8.6 Impresionismo(1860-1940)
•9 Siglo XX(1900-2000)
o 9.1 Expresionismo, Dodecafonismo, Serialismo
9.1.1 Segunda Escuela de Viena
o 9.2 Otras tendencias
9.2.1 El Grupo de los Seis (Le Groupe des Six)
9.2.2 Música electrónica, Música concreta
o 9.3 El Jazz y sus variantes
o 9.4 El Cine del siglo XX y otros artes escénicos
9.4.1 Cine
9.4.2 El Musical
9.4.3 Videojuegos
o 9.5 Rock-Pop(1950-1969)
9.5.1 Rock-Pop español
•10 Siglo XXI(2000-Presente)
o 10.1 La música académica actual
10.1.1 La banda sonora actual
o 10.2 Musical actual
10.2.1 El Jazz Actual y el Jazz fusión
10.2.2 El Pop
10.2.3 Rock
10.2.4 Metal
10.2.5 Electrónica
•11 Véase también
Música en la Prehistoria [editar ]
Artículo principal: Música en la prehistoria

Danza de Cogul (provincia de Lérida ). En esta pintura rupestre varias mujeres danzan alrededor de un hombre desnudo. Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las culturas prehistóricas.
Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para producir sonidos.
Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que la que están construidos; b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia; c) Cordófonos: de cuerda, el arpa; d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso con agujeros.
La música en el Mundo Antiguo (5000 a. C. - 476) [editar ]
Artículo principal: Música en la Antigüedad
Antiguo Oriente [editar ]
Antigua China: simbología y textura en la música tradicional china [editar ]
Artículo principal: Cultura de China

Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional china.
Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración. Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está empapada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías más antiguas del mundo.
En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a las representaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cada momento, con su estética correspondiente.
Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica, sin necesidad de Fengs humanos ni mitológicos, sin arrullos de olas ni enviados al olimpo chino. Como cosa natural debieron haber relacionado las distintas longitudes de los tubos con los distintos sonidos que en estos se obtienen. No es raro, tampoco, que les hayan aplicado la relación 3:2, dado que ésta tenía para ellos un valor simbólico. armonizar el cielo con la tierra.
Un sistema musical "representa el inventario de sonidos de que se vale una música, la altura y distancia de sonidos musicales entre sí". Si ubicamos que corresponde a una quinta justa, un poco más chica que la que se obtiene con cuerdas. Este principio se denomina cíclico, porque el total de sonidos que integra la escala repertorio, se va generando por una constante matemática en las longitudes de los tubos que integran el sistema. Musicalmente se manifiesta por intervalos de quinta justa al ascender y de cuarta justa al descender.

Representación de una cadencia típica en la música china.
La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. Si soplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a Fa4 se obtendrá una quinta justa superior, es decir Do5. Pero este Do5 también se puede obtener soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del primero.
Al cortarse un tercer tubo, que mida dos tercios de Do5 se obtendrá una quinta justa superior a Do5, es decir, Sol5. Como este sonido esta muy alejado de huang-chung, se duplica su longitud y se obtiene Sol4, dado que la relación doble corresponde a la octava.
Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo Sol4, cortando un tubo que midiera cuatro tercios de Do5.
Trabajando así, y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios, llegaron a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la octava justa, por cierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. Obtuvieron entonces, una escala dodecafónica de temperamento desigual.
El peligro de esta escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Si otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico (2/3 - 4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones, y cada vez se hacen más complicadas las ecuaciones a realizar: 81 - 54 - 72 - 48 - 64 - 42,666 - 56,888 - etc., meros lu para su escala usual.

Sistema tonal chino tradicional
En el s.IV a. C. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar la octava, es decir, intentaron el temperamento igual, pero solo en el año 1596 el Príncipe Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio equivalente al temperamento igual.
Para la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal, materiales mas durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas constituyeron los litofonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce lajas, luego se añadían seis más. Los litofonos no eran instrumentos melódicos propiamente dicho, sino puntos de r'i-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los primeros antepasados en wu-i(instrumentos) y chia-chung (canto). Todo esto debía relacionarse, asimismo, con danzas específicas.
Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera inferior correspondía a los lu impares (principio YAN, masculino) y la superior a los lu pares (principio YIN, femenino). Según VAN AALST, el primer lu es la perfección en sí mismo pues de él depende todo el sistema, es la fuente de origen del mismo, es el sistema en potencia. Por eso a la hilera impar le correspondía el principio YAN.
Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y el femenino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo femenino es la madre y el masculino el hijo.
Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica, pentatónica anhemitonal (sin semitonos).
Desde el año 1300 a. C. se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde cinco transposiciones modales, o sea que tomando como tónica cada uno de sus sonidos, el número teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12 lajas es de 60 modos pentatónicos, y 84 si se trata de escalas con piens. Este número de escalas posibles variaba también según las dinastías, y asimismo variaba el número de escalas reales empleadas.
Antiguo Egipto y Mesopotamia [editar ]
La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sacerdotes, en el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó con instrumentario rico y variado, algunos de los más representativos son el arpa como instrumento de cuerda y el oboe doble como instrumento de viento. En Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca no sólo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia.
Antigua Grecia [editar ]

Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve es procedente de la cultura indo-griega. Era habitual encontrar a un músico tocando una siringa o similar. Anciet Orient Museum de Tokio (Japón ).
En la Grecia antigua , la música se vio influenciada por todas las civilizaciones que la rodeaban, dada su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica , etrusca , egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales. Los Griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el poema épico]]. Aparecen los bardos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía . Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras la considera una medicina para el alma, y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo , cantos dirigidos a Dionisos , acompañados de danzas y el aulos , un instrumento parecido a la flauta. Surgen asimismo dramas , tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y la poesía.

Euterpe con una flauta . Sarcófago de las musas. Museo de Louvre en París (Francia ).
Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira , la cítara , el aulos , la siringa (una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo , el címbalo , el sistro , las castañuelas .
Antigua Roma [editar ]
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y aunque ambas culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia rodeados siempre de fiestas.
En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego . Los autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio . La tragedia tuvo trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca . La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae , una especie de aulos. Los romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ninguna música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una comedia de Terencio.
Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y España. Vuelven a aparecer antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma valorara institucional y culturalmente a la música.
Edad Media (476-1492) [editar ]
Artículo principal: Música medieval
Artículo principal: Música española en la Edad Media
Artículo principal: Compositores medievales
Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardorromano. La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del s. VI en el llamado canto gregoriano . La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII ) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares , trovadores y troveros , junto a los minnesinger alemanes. Con la aparición en el s. XIII de la escuela de Notre Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el s. XIV con el llamado Ars Nova , que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento .
La música en la Iglesia cristiana primitiva [editar ]
Artículo principal: Rito litúrgico católico
Constantino instauró en Roma la sede del catolicismo hacia el año 325 D.C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época.
Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo Testamento dentro del Libro de los Salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodía cantada sólo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las que dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio.
En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al emperador Justiniano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos una interesante referencia de su música: "...ellos (los cristianos) tenían la costumbre de reunirse en un día especifico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se trátase, con un canto alterno".
El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona , y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.
San Ambrosio , Obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona. Compusó a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio Romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada región.
El canto gregoriano [editar ]
Artículo principal: Canto gregoriano
El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia cristiana. Es utilizado como expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. Las principales características generales de este estilo musical son las siguientes: Normalmente son obras de autor desconocido, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son obras redactadas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido a pocas personas, utiliza grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros.
Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en el que son interpretadas, según el incipit literario pueden ser himnos, salmos, cánticos de alabanza, etc.; según el modelo de interpretación, si son de tracto solista o congregatorio, antifonal (alternación de dos coros), responsorios de solista y coro o de estilo coral directo.
Otros tipos de liturgia
• Ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV, que crea el himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial.
• Mozárabe : canto mantenido en las regiones de Al-Andalus, los centros serán Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto, como fue la ciudad de Toledo.
• Galicano : canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.
Referencias [editar ]
1. The origins of music Nils Lennart Wallin, Steven Brown, Björn Merker ISBN 0-262-73143-6
2. Marvin Harris Nuestra Especie; Juan Luis Arsuaga El collar del Neanderthal, El enigma de la esfinge.
Véase también [editar ]
• Liturgia católica
• Secuencia (liturgia)
• Misa (música)
• Canto mozárabe
Renacimiento (1500-1600) [editar ]
Artículo principal: Música del Renacimiento
Escuela flamenca [editar ]
Es en la región flamenca (Países bajos ) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de "schola cantorum".
Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres . Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono . Se dice que Des Pres escribía tan sólo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores.
Música renacentista francesa [editar ]
La Chanson, música de tipo cordal que desembocará en el Madrigal. En él destacan Pierre Attaignant, Janequin y Calude Jeune. Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extravertido se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus exponentes es Clement Janaquin. Escribió una de las canciones populares llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla, parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.
El canto de la reforma Religiosa se aplican a melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas .
Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.
Música renacentista italiana [editar ]
La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrian Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holandes. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales: la Frottole (frottola en singular), eran canciones estroficas, silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos. La contrapartida religiosa de la frottla fue la lauda. Se cantaban en reuniones religiosas semipublicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior.
Música renacentista inglesa [editar ]
En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desmpeño un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta reelevancia es John Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.
Música renacentista alemana [editar ]
Durante el siglo XVII , Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbely H. Schütz, aunque éstos no escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.

Música renacentista española [editar ]
En la música renacentista española destacan las obras del compositor Tomás Luis de Victoria

(La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe, incluso el mismo Alfonso X el sabio compuso las cántigas bajo la influencia árabe, ya que era un gran admirador de su cultura; entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: El Cancionero de Palacio, música de la corte de Isabel I de castilla y Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Andaluz, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luys de Narvaez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina).
Barroco (1600-1750) [editar ]
Artículo principal: Música barroca
La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.
En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo, así tenemos: Cromatismo, Expresividad, Bajo cifrado y bajo continuo, Intensidad, ópera, Oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía.
El bajo continuo [editar ]
O también llamado Continuo, se designa al sistema de acompañamiento ideado a comienzos del período barroco, es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan sólo el contorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias , o sea el relleno armónico, a la invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentista un instrumento melódico grave (viola da gamba, violencello, contrabajo, fagot, etc) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, de acuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones, todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.
El sistema tonal [editar ]
El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del postromanticismo.
Barroco italiano [editar ]
Claudio Monteverdi
Importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos Barroco, los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del S. XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. Fue niño de coroen Cremona, su ciudad natal,; fue discípulo de Ingegneri; poco después de los veinte años entró al servicio del Duque de mantua, donde residió hasta 1612. Desde 1613 estuvo activo en Venecia, como maestro Capilla de San Marcos. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se ha perdido. Se conservan sólo tres "Orfeo" (1607), "El Regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624). Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta.
Arcangelo Corelli
Compositor y violinista italiano, uno de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso . Compuso también Sonatas tanto de cámara como de iglesia. Corelli fue uno de los primeros compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal.
• Alessandro Scarlatti
• Antonio Vivaldi
La música en Italia durante los siglos XVI XVII y principios del XVIII, estaba viviendo su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico, de lo excelso de lo sublime; el regocijo de lo religioso que se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo de batalla que era el barroco. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de "DELECTARE ET MOVERE", LA SPREZZATURA italiana, daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera . El concerto grosso italiano y la orquesta italiana , fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental. Los castrati juegan un rol preponderante durante el barroco italiano, eran el barroco humano, lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o manierista, lo bello con lo monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de la sociedad de la Italia Barocca (Caffarelli , Senesino , Carestini) inmortalizados por una voz que trascendía el concepto de "perfección", que incluso a algunos llevó a la locura.
El violino italiano, una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo más para el virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente indicaba pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta época son los doce conciertos de Pietro Locatelli , el concerto grosso de Arcangello Corelli , el concerto grosso de las quatro stagioni de Vivaldi (il prete rosso -el cura rojo- por el color de su pelo).
Barroco francés [editar ]
• Jean Baptiste Lully
• François Couperin
• Jean-Philippe Rameau
• Marc Antoine Charpentier
Barroco español [editar ]
• Francisco Correa de Arauxo
• Juan Cabanilles
• Gaspar Sanz
• Antonio de Literes
• José de Nebra
• Padre Soler
Barroco inglés [editar ]
• Henry Purcell
Georg Friefrich Häendel

Georg Friedrich Häendel
Häendel es uno de los compositores más importantes del barroco, siendo junto con su contemporáneo Bach, el más importante de la primera mitad del siglo XVIII.Nacido en 1685, en Alemania, en 1712 se iría a vivir a Inglaterra para consagrarse como uno de los mejores compositores británicos, consiguiendo en 1727 la nacionalidad británica. Es menester comprender que Häendel provenía de una familia rica y no tenía los impedimentos o limitaciones propios de la mayoría de los músicos. En 1759, con una gran reputación entre el círculo musical londinense, moriría a la edad de 74 años, siendo enterrado en la abadía de Weillmesiter.
Su obra musical es muy numerosa, más de 600 obras. Entre lo más destacable se incluye sus óperas (Julio César, 1724); sus oratorios (El mesías, 1741); sus conciertos (Conciertos para órgano Op.4, 1735) y sus suites orquestales (Música acuática,1717, y, los Fuegos Artificiales, 1749).
Barroco alemán [editar ]
• Heinrich Schütz
• Dietrich Buxtehude
• Johann Pachelbel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 - Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música clásica del barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach tendrá enorme influencia en músicos posteriores, en especial a raíz de su redescubrimiento, debido al músico Felix Mendelssohn .
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Toda su obra está perfectamente acabada y destaca por su originalidad y perfección técnica, si bien cabe mencionar como especialmente relevantes los Conciertos de Brandenburgo , el Clave bien temperado , la Misa en si menor , la Pasión según san Mateo , El arte de la fuga , La ofrenda musical , las Variaciones Goldberg .
Clasicismo (1750-1800) [editar ]
Es el estilo caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada entre estructura y melodía. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes más destacados
Artículo principal: Música del clasicismo
La orquesta y nuevas formas musicales [editar ]
• Carl Philipp Emanuel Bach
Franz Joseph Haydn
(1732-1809), compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750-1820).
De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrauan en Keitha, cerca de Viena y murió el 1 de mayo de 1820. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia.
Wolfgang Amadeus Mozart
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor austriaco del periodo clásico. Uno de los más influyentes en la historia de la música occidental.
Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo , y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart . Estudió con Leopold Mozart , su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Su padre fue gran influencia para su vida musical. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su pasión para componer óperas.
Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven (1770-1827), compositor alemán, considerado uno de los más grandes de la cultura occidental.
Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn.
Escuela de Mannheim [editar ]
La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela de Manheim. En esta ciudad comienza a desarrolarse esta escuela orquestal. A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período.
Esta escuela contribuyó a:
- Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas. - Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.

Otras escuelas [editar ]
Clasicismo mediterráneo [editar ]
• Luigi Boccherini
• Ferran Sors
• Antoni Soler
Romanticismo (1800-1900) [editar ]
Artículo principal: Música del Romanticismo
El piano romántico [editar ]
Franz Schubert
Franz Schubert (1797-1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo, cuyos Lieder (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX.
Nació en Lichtenthal, cerca de Viena, el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco maestro de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y comenzó a estudiar en el Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en cuya orquesta también tocaba el violín y murió el 29 de octubre de 1828.
Felix Mendelssohn
compositor alemán, una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.
Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn, adoptó su segundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió una herencia de un pariente con este apellido, aunque normalmente se le conoce por su primer apellido. En su infancia toda la familia se convirtió al protestantismo. Fue de genio precoz, de niño conoció a Goethe y recibió una cuidada educación. A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa 'Marcha nupcial' 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo.
Frédéric Chopin
Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia. Hijo de padre francés y madre polaca, comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. Tras graduarse con honores en el conservatorio, su padre solicitó una beca del gobierno polaco para que pudiera ampliar su formación en el extranjero, ayuda que le fue denegada.En 1837 inició una relación íntima con la escritora francesa George Sand. En 1838 enfermó de tuberculosis y se trasladó a Mallorca, en las islas Baleares. Allí, en la cartuja de Valldemosa, Sand lo atendió en su enfermedad hasta que las continuas disputas entre los dos condujeron a su ruptura el año 1847. A partir de entonces su actividad concertística se limitó a varios recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. Murió en París el 17 de octubre de 1849, víctima de la tuberculosis.
Robert Schumann Compositor alemán del Romanticismo (1810-1856). Desde niño, ya demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte de su padre, aunque posteriormente reprendería sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.
• Franz Liszt
Johannes Brahms
De origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y jamás se casó
Música programática [editar]
El Lied [editar ]
Es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Consiste en la interpretación de un poema realizada por un cantante y piano . La estructura general es A B A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía . El creador del lied es Schubert , sus principales temas eran la muerte, el amor y la naturaleza.
Sinfonía romántica [editar ]
Los Nacionalismos (1850-1950) [editar ]
Rusia [editar ]
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia . Mikhail Glinka famoso por su ópera Una Vida para el Zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos en base a la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco . La ópera de Dargomyzhski El Convidado de Piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una vez depurado su estilo de composición en base a sus estudios posteriores, despertó una gran atención tanto en su país como en en extranjero. Sus operas rusas ofrecían una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.
El Grupo de los Cinco [editar ]
Artículo principal: El Grupo de los Cinco
De este grupo de cinco, sólo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev , ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En las Estepas de Asia Central y por Bailes Polovtsian de su ópera Príncipe Igor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa , tan características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Monte Calvo y Cuadros en una exhibición, que posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov , que fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade . También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua Rusa.
Piotr Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música de tres famosos ballets: El cascanueces , La Bella Durmiente y El lago de los cisnes . Obras como la obertura de Marcha Slava, y Capricho Italiano ubican definitivamente a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas.
Bohemia: Smetana y Dvorák [editar ]
Escandinavia [editar ]
==== Inglaterra ====
Francia [editar ]
España
Posromanticismo(1870-1950) [editar ]
Expresionismo [editar ]
Futurismo [editar ]
Música de consumo [editar ]
Música modal popular [editar ]
Música del realismo socialista [editar ]
Impresionismo(1860-1940) [editar ]
• Gabriel Fauré
• Claude Debussy
• Maurice Ravel
o El Bolero de Ravel , obra trascendental.
• Isaac Albéniz
o Suite Española y Suite Ibérica como obras trascendentales.
• Enrique Granados
• Manuel de Falla
• Joaquín Rodrigo .
o El Concierto de Aranjuez como obra trascendental
[[**[[Juesus Guridi=nacionalista vasco]]' ***[[El Caserío]] como obra trascendental''']]
Siglo XX(1900-2000) [editar ]
Artículo principal: Música del siglo XX
Expresionismo, Dodecafonismo, Serialismo [editar ]
Segunda Escuela de Viena [editar ]
• Arnold Schönberg
Arnold Schönberg (13 de septiembre de 1874 - 13 de julio de 1951) es un compositor austriaco vienés de origen judío de música clásica del periodo moderno (1900-1950). Uno de los músicos más grandes del siglo XX; es, junto con Ígor Stravinski, y Béla Bartók, el compositor más importante e influyente de la primera mitad del siglo XX y una figura clave, junto con Monteverdi, Bach, Beethoven y Wagner, en la evolución de la música académica occidental.
Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo y del método cancrizante o del espejo de la segunda mitad del s. XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.
• Alban Berg
• Anton Webern
Otras tendencias [editar ]
• Béla Bartók

. Estudió en Presburgo (ahora Bratislava, Eslovaquia) y en Budapest, donde enseñó piano en la Real Academia de Música (1907-1934) y trabajó en la Academia de Ciencias (1934-1940). En 1940 Bartók emigró a Estados Unidos por razones políticas. Realizó investigaciones en la Universidad de Columbia (1940-1941) y enseñó música en la ciudad de Nueva York, donde vivió con serias dificultades económicas. Murió de leucemia el 26 de septiembre de 1945 en Nueva York.
• Igor Stravinsky
El Grupo de los Seis (Le Groupe des Six) [editar ]
Grupo francés formado a instancias del escritor Jean Cocteau, integrado por: Louis Durey, Germaine Tailleferre, Georges Auric, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc.
• Olivier Messiaen
• Benjamin Britten
• Gyorgy Ligeti
Música electrónica, Música concreta [editar ]
• Pierre Boulez
• Karlheinz Stockhausen
• Pierre Schaeffer
El Jazz y sus variantes [editar ]
• McCoy Tyner
• Thelonius Monk
• Charlie Parker
• Bud Powell
• John Coltrane
• Herbie Hancock
• Art Tatum
• Miles Davis
• Duke Ellington
El Cine del siglo XX y otros artes escénicos [editar ]
Cine [editar ]
• Henry Mancini
• Leonard Bernstein
• Ennio Morricone
• Clint Mansell
El Musical [editar ]
• Memories
• Cats
• El Fantasma de la Ópera
• América
• Chicago
Videojuegos [editar ]
• Koichi Sugiyama
• Koji Kondo
• Nobuo Uematsu
• Motoi Sakuraba
Rock-Pop(1950-1969) [editar ]
• The Beatles
• Bob Dylan
Rock-Pop español [editar ]
La Plaga de Langostas, Micky y Los Tonys, Los Mustang, Los Pekenikes, Los Secretos, Parálisis Permanente, Radio Futura, Aviador Dro, Duncan Dhu, Siniestro Total, El último de la fila, 091, Los Planetas, Fito y los Fitipaldis, Platero y Tu, Los Delincuentes, El Barrio.
Siglo XXI(2000-Presente) [editar

Dr. Mervy Enrique González Fuenmayor

martes, febrero 24, 2009

ARTÍCULO. “¿EL REGAETON,LA CHANGA , EL RAP Y OTROS GENEROS MUSICALES DE LA ACTUALIDAD… ASESINOS DE NUESTROS RECUERDOS…?” ***INCLUYEUNA BREVE RESEÑA

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